ステートメント

私は日本画で培った描写の考え方や技術を基盤に、現在は油絵具を用いて、存在するものとその世界の関係性を主題とした絵画表現を行っています。


私は日本画を基盤に制作を行ってきましたが、現在は油絵具を用いて作品を制作しています。 私の制作の原点には、幼少期から身近にあったテレビゲームの存在があります。 ゲームごとに構築された世界観、背景、コンセプトアート、音楽などが一体となって立ち上がる「一つの世界」に強く惹かれ、自分自身のオリジナルの世界を持ちたいという欲求が、現在の制作活動へとつながっています。

美術大学進学後、在学中の早い段階から公募展に入選しはじめたことは、作家として制作を続けていくことが現実的な選択肢として開かれているのだと実感するきっかけでした。 評価を受けながら制作を重ねる中で、世界を描くことそのものを自分の制作の軸として深めていきたいという意識が、次第に明確になっていきました。 将来的には、コンセプトアーティストや背景デザイナーとしてゲーム業界に関わることも意識しており、日本画を専攻したのは、彩色表現への適性を評価されたことに加え、日本画出身でゲーム業界に進んだ先輩作家の存在を知ったことがきっかけです。

在学中から大学院修了後にかけては、日本画で、実在する風景や海の生物などをモチーフに、背景的・コンセプトアート的な幻想世界を描いてきました。 空間全体の雰囲気や奥行き、世界の輪郭そのものを提示することに関心を向け、鑑賞者がその世界に入り込む感覚を重視した制作を行っていました。

その後、制作への迷いと向き合う中で、表現の視野を広げるため、ゲーム系の専門学校に進学し 専門学校修了後は、ゲーム会社にデザイナーとして勤務しました。 しかしそこであらためて、自身が本当に追求したいのは、誰かの世界を支える表現ではなく、自分自身の世界を構築することだと再認識しました。

2023年8月から約半年間の研究期間では、画材そのものと向き合い、最終的に、世界の奥行きや存在の密度を最も的確に立ち上げられる画材として油絵具に行き着きました。 その結果、これまで背景や空間から世界を構築してきた方法とは逆に、世界を表現するために、まずその世界に存在する者の顔のアップから描き始めるというアプローチへと意識が移行していきます。

そして2024年6月末より、《Fragments of the Unknown》シリーズの発表を開始し、画家としての活動に専念しています。 現在は、日本画で培ったアナログ技法に、2D・3Dデジタル表現での経験を統合し、画面内の個々の要素がそれぞれ独自の立体感と存在感を持ちながら関係し合う構造を意識しています。 存在を起点としながら、最終的には背景や空間を含めた世界全体を立ち上げていくことを目的とした、油絵具による独自の透明感と質感を持つ表現へと展開しています。
主に発表している《Fragments of the Unknown》シリーズでは、私の世界に「存在する物」現実世界でいう人間に相当する、メインの存在の顔をクローズアップして描いています。 加速し続ける現代社会の中で、私の制作は、意味や物語を過剰に説明することなく、知覚そのものに立ち返るための静かな世界を立ち上げる試みでもあります。 彼らは物語を説明するための存在ではなく、その世界が確かに存在していることを示すための核となる存在です。

これまで背景的な要素によって世界観を表現してきた経験から、あえて顔のアップという断片的な視点を用いることで、その世界の質感や空気、温度感を、表情や視線、髪や肌の質感を通して、より直接的に提示できると考えました。 一つの存在が、背後に広がる空間や環境を内包するような在り方を目指しています。 描かれる存在たちの視線は遠くを向いています。 それは、彼らが自身の属する世界のどこかを見つめている状態を示しており、その背後に広がる風景や空間の存在を暗示しています。 表情は喜怒哀楽を排した静かな状態に保たれ、俗世から切り離された、瞑想的で一定の静けさをもつ世界を表現しています。 慌ただしく不安定な現実社会とは異なる、無我や静寂を感じさせる世界。 見る者の心が静かに落ち着いていくような世界の提示が、私の制作のテーマです。

Artist Statement　(English)

I base my practice on the approaches to depiction and techniques cultivated through Japanese painting, and I currently work primarily with oil paint to explore pictorial expressions centered on the relationship between existing entities and the worlds they inhabit.

Although my artistic foundation lies in Japanese painting, I now use oil paint as my main medium. The origin of my practice can be traced back to my early childhood experiences with video games. I was deeply drawn to the way each game constructs a cohesive world—where visual design, background environments, concept art, and music converge to create a singular, immersive reality. This fascination nurtured a strong desire to create an original world of my own, which has continued to drive my artistic practice.

After entering art university, I began to receive recognition through juried exhibitions at an early stage. These experiences made me realize that continuing as an artist was a realistic and viable path. As I developed my work while engaging with external evaluation, my awareness gradually sharpened around the idea of “depicting a world itself” as the core of my practice. At the time, I was also considering future involvement in the game industry as a concept artist or background designer. I chose to major in Japanese painting not only because my aptitude for color expression was recognized, but also because I learned of senior artists who had transitioned from Japanese painting into the game industry.

From my undergraduate years through the completion of my master’s degree, I produced works in Japanese painting that depicted fantastical worlds with real landscapes and marine life as motifs. My focus was on presenting the overall atmosphere, spatial depth, and contours of an entire world, emphasizing an immersive quality that allowed viewers to feel as though they were entering that space.

Later, while confronting uncertainty in my practice and seeking to broaden my expressive range, I enrolled in a vocational school specializing in game design. After graduating, I worked as a designer at a game company. However, through this experience, I came to reaffirm that what I truly wanted to pursue was not supporting someone else’s world, but constructing my own.

During a research period of approximately six months beginning in August 2023, I focused intensively on materials themselves. Through this process, I arrived at oil paint as the medium best suited to articulating spatial depth and the density of existence. This shift also led to a fundamental change in my approach: rather than constructing a world through backgrounds and space, I began by depicting close-up views of the faces of those who exist within that world.

Since late June 2024, I have been presenting the Fragments of the Unknown series and have devoted myself fully to painting. In my current work, I integrate the analog techniques cultivated through Japanese painting with my experience in 2D and 3D digital expression. I construct compositions in which individual elements possess their own sense of volume and presence while remaining in dynamic relation to one another. Starting from the depiction of an “existing entity,” my aim is ultimately to bring the entire world—including its background and spatial environment—into being, through oil painting characterized by a distinctive transparency and tactile quality.

In the Fragments of the Unknown series, which I primarily present, I depict close-up portraits of central entities that correspond, within my world, to what humans represent in the real world. In an accelerating contemporary society saturated with meaning and narrative, my practice seeks to establish a quiet world that returns viewers to perception itself, without excessive explanation or storytelling. These beings are not vessels for narrative; rather, they function as cores that attest to the undeniable existence of the world they belong to.

Drawing on my long experience of expressing worlds through background elements, I deliberately adopt the fragmentary perspective of a close-up face. Through facial expression, gaze, and the textures of hair and skin, I aim to convey the atmosphere, air, and temperature of a world more directly. Each entity is conceived as containing within itself the space and environment that extend behind it.

The gazes of these figures are directed into the distance, suggesting that they are looking toward some part of their own world and implicitly pointing to the landscapes and spaces that lie beyond the frame. Their expressions are kept neutral, stripped of overt emotion, evoking a meditative stillness removed from the everyday world. In contrast to the instability and restlessness of contemporary society, I seek to present a world imbued with silence, detachment, and tranquility—a world that allows the viewer’s mind to gradually settle into quietude.